Trabajar para ganarse la vida: ¿cómo sobreviven los artistas?
Desde el principio de los tiempos ha habido personas con la necesidad de expresarse a través de diversas formas de arte. Los antropólogos e historiadores generalmente entienden que el arte refleja una sociedad y puede ofrecer cierto conocimiento de las creencias y perspectivas de comunidades arraigadas en el espacio y el tiempo. Cuando estudiamos el arte de una civilización, como el antiguo Egipto, podemos comprender su cultura y forma de vida. Siempre me ha fascinado la necesidad de expresión artística en la sociedad y las formas en que los artistas han hecho realidad sus visiones. El desafío siempre parece ser encontrar un equilibrio entre la visión artística y la supervivencia en un sentido comercial.
La creación de arte exige tiempo, recursos y, con suerte, talento. Las obras de arte pueden ser costosas debido a los materiales utilizados o a la gran cantidad de esfuerzo y experiencia técnica requerida para su creación. A medida que las sociedades se desarrollan, la segmentación y especialización del trabajo se vuelve más frecuente, de modo que en toda civilización altamente desarrollada hay artistas profesionales a tiempo completo de muchos tipos: poetas, cantantes, pintores, músicos, bailarines, escultores, arquitectos, actrices e incluso comediantes. . Para estas personas, el arte es su profesión, su pasión y una forma de vida. Es interesante observar el mundo de los artistas profesionales actuales y hacer algunas comparaciones con cómo sus predecesores pudieron sobrevivir y crear arte.
Hoy en día tendemos a ver el arte como algo consumible; un producto y mercancía para ser comprado y vendido. No lo sabemos con certeza, pero podemos sospechar que los primeros artistas recibieron su talento como un regalo de los dioses. Durante la historia más antigua registrada, la forma de arte más elevada se producía como tributo a los reyes y reinas, o en su servicio. Se pensaba que los gobernantes poseían derecho divino, es decir, que eran una extensión directa de los dioses o Dios. Se creía que las obras de arte estaban dotadas de poderes sobrenaturales que traían buenas noticias o ayudaban a ganar guerras. La música se usaba para bendecir la cosecha, afectar el clima o infundir miedo en los corazones de los enemigos.
También se han producido obras de arte para fines propios. Los poemas e historias épicas contados por maestros narradores transmitieron de forma auditiva las tradiciones y la historia de un pueblo, antes de la invención de la escritura. A menudo se compartía música en el hogar para entretenerse (¿qué hacía la gente antes de la televisión e Internet?). Los artesanos producían obras para embellecer y añadir color a la monotonía de la vida cotidiana o como fuente de deleite. Los artistas y artesanos más talentosos trabajaron como oficiales o iniciaron pequeñas industrias, como el tejido de alfombras o el teñido de tapices.
La música era una característica de las ceremonias religiosas y sigue siendo una parte importante de la liturgia de muchas religiones del mundo hasta el día de hoy. Bach se ganaba la vida al servicio de la Iglesia católica. Los músicos y artistas necesitaban mecenas, y durante el Renacimiento barroco en Europa, la mecenas solía ser la Iglesia. A medida que las clases mercantiles se enriquecieron, la idea de que los individuos ricos fueran mecenas de las artes creció rápidamente, y en la Era Clásica surgieron muchos mecenas privados para competir con la Iglesia como mecenas, como los Medici en Roma. Mozart actuó no sólo para la Reina, sino también para muchas fiestas y eventos privados.
Al entrar en la era moderna vimos surgir el fenómeno de los conciertos. Liszt, el extravagante pianista de la época romántica, fue uno de los primeros músicos en ofrecer conciertos al público en general que tuvieron éxito. Al principio la gente se mostraba escéptica ante la idea de los conciertos. Pensaron que la gente no querría sentarse a escuchar música. ¡Qué equivocados estaban!
Hoy en día, los músicos y artistas se conectan directamente con sus fans y actúan más como directores ejecutivos de sus propias empresas. Los artistas de éxito suelen ser empresarios autónomos, ya sea en la música, las artes visuales, la literatura o el teatro. Emplean agentes para cumplir sus órdenes y utilizan el poder de su imagen para hacerse un hueco en el mercado. El arte es visto como “propiedad intelectual”. Esto puede ser muy bueno para los artistas, que pueden crear algo y ganar dinero con ello durante mucho tiempo, pero también crea desafíos para acceder al mercado. Muchos artistas enseñan. Afortunadamente para ellos, hay un suministro constante de estudiantes que desean aprender, aunque sólo sea para su enriquecimiento personal.
Hoy en día, todo artista se enfrenta al enigma de permanecer fiel a su visión artística y al mismo tiempo ganarse la vida con su arte. Los artistas no crean en el vacío; su producción creativa tiene que atraer a alguien. Los artistas todavía necesitan mecenas de las artes para poder sobrevivir gracias a su arte. A veces, cuanto más cambian las cosas, más permanecen igual.
