La industria de la música y el entretenimiento ha cambiado radicalmente en las últimas dos décadas, hasta el punto de resultar irreconocible para alguien que acaba de despertar después de haber estado dormido durante los últimos veinte años. Esta metamorfosis completa se produjo principalmente como resultado del ascenso de Internet como medio y los cambios concomitantes en la sociedad y en la economía globalizada que se derivaron de este fenómeno.
El mundo parece haberse hecho más pequeño ahora que todos están conectados con todos y la información y el entretenimiento pueden ser accesibles a millones de personas con un simple clic en un dispositivo portátil. Las barreras a la creación y distribución de contenidos de alta calidad casi se han eliminado, en comparación con hace veinte años. Esto es, por supuesto, un arma de doble filo para los artistas.
Por un lado, es posible comercializar y vender directamente a los consumidores. Hay menos “guardianes” que impidan que el artista se conecte con su audiencia potencial. Por otro lado, precisamente porque es tan fácil, todo el mundo lo hace. Esto hace que sea difícil eliminar el ruido, hacerse notar y diferenciar tu música de todo lo demás.
Estos aspectos del marketing musical siempre han sido un desafío, pero ahora lo son mucho más. Ahora debemos realizar una “optimización de motores de búsqueda” (SEO), preocuparnos por el robo total de nuestro contenido digital (piratería) y administrar cuidadosamente una gran cantidad de plataformas de redes sociales mientras protegemos nuestra reputación e imagen digitales. No era así no hace mucho.
Aún más preocupante para los artistas profesionales es el hecho de que los ingresos por descargas digitales a través de Internet ni siquiera han comenzado a compensar una pequeña porción de la caída en las ventas de CD grabados. Para la mayoría de los artistas, concertar nunca fue un medio para generar riqueza, sino que el objetivo principal era promover las ventas de grabaciones. Hacer giras es una tarea costosa y la venta de entradas a menudo no cubre los gastos generales; muchos artistas se complacen en alcanzar el punto de equilibrio. Los acuerdos de licencia para cine, televisión y publicidad pueden ser lucrativos, pero son muy difíciles de conseguir y, a menudo, no producen un flujo de ingresos consistente o confiable para el artista.
¿Cómo se supone que deben sobrevivir los artistas en este entorno? Mientras reflexionaba sobre esta pregunta hace algún tiempo, y mientras se producían estos gigantescos cambios en la industria, me vino un pensamiento reconfortante; es decir, que siempre ha habido músicos y siempre han encontrado la manera de sobrevivir. Bach fue empleado de la Iglesia Católica y compuso misas. Mozart agasajó en fiestas privadas. Los músicos se ganaban la vida de alguna manera antes de la invención de la grabación, y si el dinero de los contratos de grabación desaparece por completo, estoy seguro de que habrá músicos que seguirán ganándose la comida en su mesa y el techo sobre su cabeza. La pregunta para todo músico que se embarca en una carrera es "¿Cómo?" ¿Cuáles son los pasos que debemos dar, qué conocimientos y habilidades se requerirán de nosotros y qué debemos hacer realmente?
Este desafío, que llamamos “Monetización del Arte”, es al que nos enfrentamos si queremos tener éxito, y se ha vuelto más fácil y más difícil como resultado de los cambios a los que me referí anteriormente. Las respuestas a todas estas preguntas serán diferentes para cada individuo, pero como probablemente ya habrás adivinado, tengo algunas ideas sobre cuáles podrían ser las respuestas. Sigue leyendo y compartiré algunos de ellos contigo.
A veces parece como si todo el mundo quisiera ser artista y creyera firmemente en su capacidad para hacer música de forma profesional. Si todo el mundo es artista, al final ¿quién quedará entre el público? La música siempre ha sido un negocio donde la oferta superó con creces la demanda. Hay tantas personas con talento en el mundo que simplemente no hay espacio para que todos se ganen la vida con su arte, porque no hay suficientes personas dispuestas a pagar por ello. Esta es la realidad. En realidad, la pregunta es ¿cómo hacemos para comercializar y vender nuestra música? Primero, debemos vernos a nosotros mismos como gente de negocios.
Como músicos, compositores, intérpretes y artistas discográficos profesionales, nuestro desafío es transformar nuestro arte en un estilo de vida (o nivel de vida). Tan pronto como decidimos que queremos ser músicos a tiempo completo nos enfrentamos a esta realidad. El medio para este intercambio es el dinero, por lo que necesitamos realizar ventas de algún tipo. Antes de que puedan ocurrir ventas exitosas, debe haber marketing exitoso.
Para ser especialistas en marketing eficaces, debemos estudiar los diversos componentes y crear una estrategia que incluya aspectos como el perfil demográfico, la estrategia de diferenciación (lo que te diferencia de todos los demás que hacen lo que haces), la creación de una imagen atractiva y los aspectos psicológicos. de comercializar esa imagen. Tanto en ventas como en marketing, existen muchas técnicas que cualquier persona que tenga acceso a la información adecuada puede aprender. Como escribí en un artículo anterior (“Arte versus comercio, ¿músico o comerciante? El dilema del artista”), administrar el negocio de su arte es en realidad parte de hacer arte y se puede abordar con el mismo nivel de creatividad, atención a detalle y destreza técnica.
Para empezar, debemos cerrar la brecha en nuestro pensamiento cambiando el enfoque del lado creativo y técnico de la música a lo que yo llamo el lado del “usuario final”, a falta de un término mejor. En los términos más simples, los usuarios finales son las personas que abren sus billeteras para comprar lo que usted vende, para que usted pueda pagar sus facturas. Tener tus facturas pagadas te libera tiempo para hacer otras cosas para sostener tus costos de vida y concentrar tu tiempo y energía en hacer música. Esto es lo que más quería cuando comencé mi carrera como músico.
En el pasado, los artistas dependían de los sellos discográficos, publicistas, promotores, managers, abogados y otros para manejar nuestros asuntos comerciales. Había un grupo de personas, llamado “Equipo de Desarrollo de Artistas”, cuyo trabajo era descubrir cómo empaquetar y comercializar mejor la música del artista a un grupo demográfico objetivo. A medida que los ingresos de las grabaciones se redujeron, estas personas vieron sus retornos decrecientes de la porción cada vez más pequeña del pastel, y muchos de ellos decidieron dejar el negocio para hacer algo más lucrativo. Como resultado, el artista tuvo que asumir más de estas funciones por sí mismo si quería tener alguna posibilidad de éxito. Esto llevó al surgimiento del espíritu del bricolaje, que por supuesto significa "Do It Yourself" y se hizo popular en la década de 1990.
El bricolaje a primera vista parece tener mucho sentido. Después de todo, a la gente de desarrollo de artistas se les tenía que pagar con los ingresos de la música, y el resultado fue que quedaba menos dinero para los músicos. Los artistas rápidamente vieron el beneficio de aprender a realizar muchas funciones comerciales por sí mismos. Una de las primeras en adoptar el bricolaje fue AniDiFranco, una cantautora de Buffalo, Nueva York, que conducía por todo el país dando conciertos sola y vendiendo sus CD desde el maletero de su coche. A medida que su popularidad aumentó, las compañías discográficas la cortejaron y le ofrecieron contratos de grabación, los cuales ella rechazó. En aquel momento se trataba de un modelo nuevo. Anteriormente, los artistas clamaban por “ser firmados” con un sello, ahora había un artista popular que se negaba a firmar un contrato con nadie. Fundó su propio sello discográfico y lo llamó “Righteous Babe Records”. AniDiFranco fue considerada una pionera en la nueva era del negocio de la música y se convirtió en un ícono del bricolaje. Siguió todo un movimiento de artistas “independientes”. abreviatura de "independiente".
En realidad, nadie puede existir solo en el mundo; Todos somos interdependientes de muchas maneras. Cuando AniDiFranco se fue de gira por Europa, no trajo su coche ni cajas de CD. Se llevó una banda con ella. Dio conciertos en salas y en televisión, donde tuvo que trabajar con diferentes promotores y agentes de booking. Necesitaba ayuda en muchas áreas para tener éxito, porque una persona sólo puede hacer una cantidad limitada cada día. Alguien tuvo que colgar los carteles para anunciar sus conciertos y alguien tuvo que imprimir las entradas. El resultado de esta estructura (¿o la falta de ella?) fue que ella celebraría muchos acuerdos y “asociaciones” con otros artistas y empresarios para hacer una gira o grabar, crear su sello discográfico e incluso construir su propia sala de conciertos.
En este sentido, un compositor o director de banda/músico se convierte en un contratista autónomo, propietario de una pequeña empresa, empresario y propietario único. Trabajan con clientes (las personas que los contratan) y proveedores (las personas que contratan). Forman asociaciones y dependen en gran medida de sus habilidades para las relaciones profesionales. Construyen una estructura organizativa que resultaría familiar para muchos profesionales independientes que prestan servicios remunerados, como abogados, pintores de casas, dentistas y paisajistas. Tienen el control de su negocio, pero dependen de muchas otras personas para seguir empleados en el campo. A esto lo llamo DIWO o "Hazlo con otros". Considero que el concepto DIWO es realista y muy pragmático; una consecuencia directa del bricolaje que es un reflejo mucho más preciso de la realidad de ser un artista hoy en día.
En el pasado nos referiríamos a estas otras personas como “Intermediarios”; ellos fueron quienes ayudaron a los artistas a cerrar la brecha con el Usuario Final: abogados, managers, promotores, estilistas, camarógrafos, músicos, arreglistas, productores, agentes de booking, artistas gráficos, ingenieros de sonido en vivo, incluso entrenadores y profesores fueron parte del Equipo de desarrollo de artistas. Todavía dependemos de estos profesionales hasta cierto punto, pero con DIWO como una consecuencia del bricolaje, el artista tiene el control de quién y cuándo se requerirán estos talentos y servicios, en lugar de que estas decisiones las tome un gerente o el personal del sello. Esto tiene mucho sentido, ya que es el artista quien en última instancia debe pagar a estos profesionales, ahora como entonces.
Hoy en día todavía necesitamos estos intermediarios, y hay otros que no existían hace unos años, además de los ya mencionados. Por ejemplo, diseñador web, especialista en SEO, estratega de redes sociales y consultor de marca de imagen. Posiblemente el más importante sea un buen contador. Tenemos que realizar un seguimiento de nuestros impuestos y de lo que les debemos a todos estos intermediarios aquí para ayudarnos a cerrar la brecha. Dado que en general hay menos ingresos disponibles, podemos permitirnos menos errores al elegir a las personas que incluiremos en nuestros planes de negocios.
DIWO puede ser un concepto útil desde el principio de tu carrera. El primer paso es determinar qué habilidades y capacidades específicas necesitará en su equipo. Sus habilidades siempre deben ser complementarias a las suyas y deben estar tan comprometidos como usted con el cumplimiento de sus objetivos colectivos. Es muy importante tener por escrito un conjunto de objetivos profesionales, profesionales y de vida para consultarlos periódicamente y mostrárselos a los posibles miembros del equipo. Lo más importante es que tienen que “entenderlo” sobre ti y tu música. Esto les ayudará a entenderte a ti, tu música y lo que pretendes lograr con ella. Necesitan poder ver la visión que usted tiene y comprometerse con ella. Este es un requisito previo absoluto.
Si no lo hacen, estás perdiendo el tiempo con ellos. Nunca intentes convencer a nadie, deberían entenderte de inmediato o no lo harán más adelante. Al final, es su organización y nadie (excepto usted) es irremplazable. Algunos miembros del equipo DIWO trabajarán con usted durante largos períodos a lo largo de su carrera. Otros, como un fotógrafo o un ingeniero de masterización, podrían trabajar con usted sólo durante uno o dos días. En última instancia, depende de usted buscar y construir relaciones sólidas con las personas que necesitará en su carrera para lograr sus objetivos.
Entonces, comienza a construir tu equipo DIWO hoy. Haga una lista de todas las personas que necesita y cuáles deberían ser sus habilidades o talentos especiales. Pídale a otros músicos o empresarios exitosos que le recomienden personas y comuníquese con ellos. Ve a verlos y comparte tus planes para tu carrera. Algunos lo entenderán, mientras que otros no lo entenderán en absoluto. Mantenga un registro de aquellos que parecen entender lo que está haciendo y realice un seguimiento regular con actualizaciones. Haga todo lo posible para construir amistades profesionales constructivas con ellos, porque los necesitará más adelante y ellos también lo necesitarán.
Al final, el bricolaje es un concepto lógico y relevante, y no va a desaparecer. Sin embargo, para aprovechar al máximo nuestras futuras carreras, también necesitaremos adoptar DIWO. Podemos venir al mundo y salir de él solos, pero mientras estemos aquí necesitaremos encontrar y trabajar con muchos otros para lograr algo que tenga un significado duradero.
Tom Stein es un emprendedor musical visionario, productor musical, consultor de desarrollo artístico, arreglista e intérprete de bajo eléctrico, voz y guitarra. Enseña en Berklee College of Music en Boston.
